Longitudes

Photo & review tour: 'ILLUMInations/ILLUMInazioni', 54th Biennale di Venezia 2011

ILLUMInations / ILLUMInazioni
54th Biennale di Venezia
4 June–27 November 2011

Much has already been written about this year's biennale which officially opened last Saturday, 4 June (professional previews 1–3 June). We have selected some excerpts of reviews that have appeared so far to accompany our photo-tours.
We'll begin with the main exhibition 'ILLUMInations / ILLUMInazioni' curated by Bice Curiger at the Padiglione Centrale in the Giardini and at the Arsenale.

On the
inclusion of three Tintoretto paintings in the Padiglione Centrale, Giardini:
Adam Kleinman, “ILLUMInazioni – ILLUMInations”, Art-Agenda, 5 June 2011: At first reading, it seems that we might be in for a show on the artistic play of light and shadow. (…) Normally the suffix –tion alerts the reader that some process has affected the host word it is tagged to, i.e., illumination is the condition of being lit. But at the Biennale, curator Bice Curiger instead turns a homophonic pun by tying –nations to nations, as in states, in the exhibition literature. (...) "Why they [three Tintoretto's paintings 'The Last Supper' (1592–1594), 'The Stealing of the Body of St. Mark' (1562–1566), and 'The Creation of the Animals', (ca. 1550)] were there, exactly, is a bit hard to ascertain, especially since all three of these paintings have been on view to the public in Venice for some time now." (…) In addition, the ahistorical juxtaposition of trusting the work in the center of a contemporary exhibition could blur some notion of antiquarian historicism."
Adrian Searle, 'The Venice Biennale's balance of power', The Guardian, 6 June 2011: (…) Shuttling the canvases across Venice from the Accademia and the church of St Giorgio Maggiore to the Giardini was the perilous bit. But they don't belong here, and add nothing but a frisson of High Art, an intimation of the certainties of the past. In the climate-controlled half-light, they just look big, excessive and out of place.
On Maurizio Cattelan's 'Others' (2011) a re-creation of his 1997 piece 'Turisti' (also presented in the Biennale) with 200 stuffed pigeons and pigeon shit on the floor – also by Adrian Searle: Excess in one way or another marks this biennale more than most. Cattelan's pigeons are everywhere in the central pavilion. He had them here before, in 1997, but they have bred. It's a running gag. [this time 2,000 stuffed pigeons are placed in every room's roof except in Gabriel Kuri's space].

On the German, the Swiss and the Polish pavilions:
Adrian Searle, 'The Venice Biennale's balance of power', The Guardian, 6 June 2011.
(…) Schlingensief was still planning his work when he died, and the final show is an over-the-top mixture of theatre sets and artistic works, film and documentation from his project to build a school and opera house in Burkina Faso. The whole thing is a mock-cathedral of disquiet and rage, loud with recorded voices, fragments of filmed performances and archival footage, copies of Joseph Beuys drawings and diagrams – as well as x-ray images of Schlingensief's own ravaged lungs. I felt hectored. An extraordinary man though Schlingensief undoubtedly was – as much a social critic as an artist – at what point does the artist's work end and curatorial surmise begin?
Germany seemed excessive, but Thomas Hirschhorn filled the Swiss pavilion with a wonderland of gaffer-tape, cardboard and Bacofoil, bevvies of Barbie dolls and other uncountable props. It's great, in a rackety Doctor-Who-set way, but one might say that Hirschhorn is doing what he always does. (This was also Mike Nelson's problem, as I wrote last week.) – Great photos of the pavilion here by Contemporary Art Daily.
(…) More pointed and focused was Israeli-Dutch artist Yael Bartana trilogy of films '... And Europe Will Be Stunned', in the Polish pavilion. This felt right. Bartana's idea is a call for over three million Jews to return to Poland, and her film follows the setting up of a Jewish Renaissance Movement in Poland. The whole thing is both real and unreal, heartfelt and parodic. Perhaps such a movement may now become a reality. Bartana's final film ends with the funeral of the assassinated leader of the movement; there is an implicit critique of Israeli politics, and of xenophobia and nationalism everywhere.
Adam Kleinman, “ILLUMInazioni – ILLUMInations”, Art-Agenda, 5 June 2011: (…) Yet, these cross-pollinations become even more laughable and glib in the exhibition ephemera as the curator rambles, in one of many examples, that the Tintoretto works somehow have a relation to Urs Fischer’s 'Untitled' (2011), in which a giant modeled souvenir candle of Giambologna’s 'Rape of the Sabine Women' (1574–82), is melted away because they both share some connection to “art history”, or likewise, that James Turrell’s sci-fi light “echoes” Tintoretto’s palette.
Adam Kleinman, “ILLUMInazioni – ILLUMInations”, Art-Agenda, 5 June 2011: (…) Within the context of the show’s half-formed pairing of light, or let’s say, vision & power, Amalia Pica’s Venn Diagram (Under the spotlight) (2011), is the only work that truly brought notoriety to this coupling, while also touching on ideas of togetherness, socio-political history and the like. Here two lights, each with their own colored gels, shot two beams onto a wall in the Central Pavilion. (…) one beam produced a red circle of light on the wall, and the other a blue light completed by a slight overlap between the two. Underneath these blinkers was a handwritten wall caption on an irrational prohibition by the dictatorship of Argentina in the 1970s. This censorship banned Venn diagrams (…) due to the subversive implications of these models of heterogeneity. As such, these fundamental pedagogical devices were removed from primary school textbooks and overt public usage. (…) Blended in the center of the red and blue surveying alarms was a bright, clear spotlight, which pointed to a need to watch all political and nationalistic colorings.
On the overall focus, the four 'para-pavilions' and, again, the inclusion of Tintoretto:

Franz West's para-pavilion at the Arsenale.

Monika Sosnowska's para-pavilion at the Padiglione Centrale, Giardini.
Oscar Tuazon's para-pavilion in the Giardini, with works by Asier Mendizabal and Ida Ekblad.

Article by Georgina Adam and Jane Morris, 'First impressions of “Illuminazioni” exhibition at Venice Biennale. Elegant, intelligent and well paced, but its curator Bice Curiger takes few risks', 3 Jun 2011, The Art Newspaper (web only): (…) Curiger has organised a show that despite its conceptual underpinnings also focuses on the classic themes of form, composition and materials. (…) The critical reaction generally favoured Curiger’s other innovation: the creation of four “para-pavilions”, in which Franz West, Song Dong, Monika Sosnowska and Oscar Tuazon were invited to create individual spaces that could also house works by other artists. West is showing a “reproduction” of his kitchen in Vienna with works that usually hang there by his artist friends. The works are displayed on the outside of the structure. Inside is projected Dream Villa, a work by Dayanita Singh. (…) Ossian Ward, the art critic and art editor of London’s Time Out magazine, said: “The Arsenale is the stronger of the two venues, but overall 'Illuminazioni' fails to take any real risks. Besides, that is, the parachuting of three Tintorettos into its midst, which neither steal nor cement the show.”On the Italian Pavilion, “L'Arte non è Cosa Nostra” in the Arsenale curated by Italian polemicist, politician and art historian Vittorio Sgarbi:

Cristina Ruiz, 'Italian Pavilion: Vittorio Sgarbi’s sprawling, sexed-up show', The Art Newspaper, 3 June 2011: (…) When he announced his decision to include 200 artists selected by 200 intellectuals, the pundits said it couldn't be done. In fact, Scarbi has displayed the 200 he said he would, and then added another 60 for good measure. (…) The resulting display has the sprawling randomness of a flea market. There are works featuring sex, religion, violence, nudity, as well as a giant pomegranate and a polar bear.

Adrian Searle, 'The Venice Biennale's balance of power', The Guardian, 6 June 2011: (…) Sgarbi, a maverick critic and TV personality who hates most contemporary art, has invited leading Italian writers and intellectuals, Dario Fo and Giorgio Agamben among them, to select the works. Boorishly provocative, the resulting show is full of horrible, kitschy things, appallingly installed; with its cliched sentiments and rubbishy populism, it is like a tour of Silvio Berlusconi's brain.
Roberta Smith, 'Venice Biennale: The Enormity of the Beast', The New York Times, 2 June 2011: (…) A new and historic Biennale low is reached in the vast Italian Pavilion where Vittorio Sgarbi, an Italian art historian, television personality and former under-secretary of culture, has overseen a ludicrously dense installation of work by some 260 Italian artists, almost all of it unredeemable still-born schlock. Bristling with an unbelievably venomous hatred of art, the exhibition would be a national scandal, if Italy weren’t already plagued by so many.


Jerry Saltz, 'The Ugly American', Artnet.com: “This makes me embarrassed to be an American,” the mega-curator of an extremely well-known U.S. art museum groaned to me. (…) Artists Jennifer Allora and Guillermo Calzadilla have placed a 60-ton army tank. It’s a real one, shipped from England at who knows what expense, turned upside-fucking-down, turret and gun barrel on the ground, steel treads to the sky. Atop this warlord wedding cake, they’ve installed a treadmill where a world-class runner works out for 15 minutes of every hour. It’s the health club from Hell, Afghanistan in Venice, and it makes a humongous racket that can be heard all around the Giardini. I looked back at the curator and said, “I think being embarrassed to be an American is partly what this is about.”

Adrian Searle, 'The Venice Biennale's balance of power', The Guardian, 6 June 2011: America, of course, has been flexing its muscles and telling the world to screw itself for years. I heard that Obama personally approved the US pavilion's show Gloria, by Jennifer Allora and Cuban-born Guillermo Calzadilla. Their work really depends on the Olympic athletes who run on their tank-track-powered running machine, and who perform amazing gymnastics on American Airlines first class seats. They leap, fling themselves about, defying both gravity and the imaginary confinement of air travel, slumped on the beds. Extraordinary rendition was never like this. Was this all about American power and choreographed, muscle-bound might? Allora and Calzadilla pirouette on the line between politics and entertainment. The runners go nowhere, and the upside-down tank looks impotent and vulnerable, though it makes a lot of noise – a roaring excess. (video on the US Pavilion, UK Pavilion, Swiss Pavilion, Tintoretto and Maurizio Cattelan at the Central Pavilion, Urs Fischer at the Arsenal)

Carol Vogel, 'Venice Biennale: Money Talks, Make That Sings', The New York Times, 3 June 2011: (…) There is only one A.T.M. machine in the whole of the Giardini, the gardens at the tip of the city that is home to the national pavilions. It’s in a space of its own at the back of the American pavilion. But this is no run-of-the-mill A.T.M. The brainchild of the artist duo Allora & Calzadilla, it is a pipe organ with an A.T.M. embedded in its belly that is computer-programmed to play a tune when a person puts in their pin number. (…) During the first three days of the Biennale’s V.I.P. preview earlier this week, more than 100,000 euros were withdrawn from the machine. That amount, Lisa Freiman, commissioner of the pavilion said, is three or four times the normal activity of an A.T.M. in Italy, according to BNL, the bank that operates it. When it gets low on cash, gun-toting guards can be seen coming to replenish it.

Roberta Smith, 'Venice Biennale: An Installation Art Contest', 1 June 2011: At that pavilion [Czech Republic], a little-known artist named Dominik Lang, barely 30 years old, has mounted a strangely affecting time-capsule-like installation featuring a great deal of generic postwar figurative sculpture by his father, Jiri Lang (1927-1996), who stopped making art years before his son was born. It serves as a sobering reminder of the obscurity that awaits most of the art produced at any given point in time, as well as the ability of art objects, being objects, to wait out different phases of neglect.


Rachel Withers, 'Mike Nelson at the Venice Biennale', The Guardian, 3 June 2011: Nelson's concept for Venice is to test out ideas of repetition and duplication on a giant scale. He tells me he's going to "build a biennial within another biennial" by reconstructing his 2003 Istanbul piece. But he's not stopping there. The Istanbul work was housed in a remarkable building: the Büyük Valide Han, a vast, once-palatial 17th-century travellers' inn that survived, in 2003 at least, as a crumbling warren of artisans' workshops. (…) His goal, he insists, is not to produce a replica of the Han but to realise a memory of it, in all its cobbled-together confusion and curious beauty. (…) "Making the pavilion disappear" means three months of intense work for the artist and his small team of technicians. In the present age of artistic fabrication and delegation, this hands-on approach is relatively uncommon.

On the Spanish Pavilion, 'The Inadequate / Lo inadecuado / L'Inadeguato' a project by Dora García:


Javier Hontoria, 'Dora García, inadecuadamente oportuna', 31/05/2011: Tras varias ediciones frustradas, el pabellón español de la Bienal de Venecia alberga a partir de hoy un proyecto de altura, acorde con las exigencias y expectativas de la cita que mayor visibilidad concentra en el calendario del arte contemporáneo internacional. (…) La artista vallisoletana presenta desde hoy en el pabellón español de los Giardini venecianos un proyecto titulado Lo Inadecuado. Es un concepto que implica, como le dijo a Paula Achiaga en una reciente entrevista “un sentimiento de malestar, de desajuste, de torpeza”. (…) El proyecto que ahora presenta en Venecia es también inadecuado en su forma. Esta no es una exposición al uso. Aunque tiene su emplazamiento en el interior del pabellón español de los Giardini, no está pensado para ser instalado en un lugar sino para que se extienda en el tiempo. (…) Diseminados en el interior del pabellón vemos diversos elementos que no constituyen obras de arte en sí mismas sino apoyos, atrezzo para situaciones que tienen su curso a lo largo de la Bienal. (…) Es un proyecto, digámoslo sin paliativos, de una enorme complejidad pero en el que la artista se reconoce plenamente. Toda su obra, toda su trayectoria, toda inquietud se concentran en estos meses de Bienal. La necesidad de empujar los límites de todo aquello a lo que se enfrenta es visible en cada situación. Lo inadecuado lo es a todos los niveles, formal, conceptual. (…) Durante la Bienal se sucederán las situaciones en forma de performance, charlas y encuentros en los que participan diferentes actores, fundamentalmente italianos, muchos de ellos profesionales del arte contemporáneo.

Ángela Molina, 'Dora García, entre un gato y un ratón', El País, 04 Junio 2011: "De repente entendí la no adecuación de la bienal y de su público como algo interesante. Decidí que mi intervención tendría que hacerse de espaldas al público, en un espacio de precariedad. No se tocan las paredes del pabellón, ni apareceré como autora del proyecto. Se trata de prescindir de la platea, pasar por allí sin mancharse. Tampoco es un proyecto colectivo, sino algo iniciado" (…) "El artista es algo incidental que cede su voz a los marginados. Trato de investigar la idea de exclusión, el autismo, lo que no se entiende o no tiene sentido."

Catalonia and the Balearic Islands also had a pavilion at the
Magazzini del Sale, in Dorsoduro, with new works by Mabel Palacín:
Natàlia Farré, 'Mabel Palacín revisa el papel de la imagen en la era digital', El Periódico, 2 Junio: [180º] El propio título de la obra ya remite al séptimo arte, puesto que la regla de los 180º es aquella que asegura que la relación entre imagen y espectador es la correcta, es decir, que la cámara siempre esta en el mismo lado de un eje ficticio para no desconcertar al público. Y lo que hace Palacín es evidenciar que en un mundo en el que cada día se cuelgan 100 millones de fotos en Facebook y se visiona el equivalente a 150 siglos de vídeos en Youtube, el estatus de la imagen ha cambiado y las normas se han roto. «No hay diferencia entre emisario y receptor», apunta Torres. Y añade: «La imagen ha pasado a calificar la realidad». Pero aún hay más: fotografía y vídeo confluyen y se confunden. «Todo es lo mismo» – Better images here and a video tour of the exhibition.


Klara Lidén's garbage cans collected from the streets of various cities, view in the Arsenale.

On the
54th Venice Biennale awards announced 4 June, Artforum.com: "The Golden Lion for best national participation went to Germany, represented this year by the artist Christoph Schlingensief, who died last August. The Golden Lion for best artist went to Christian Marclay for his piece The Clock, 2010, on display at the Arsenale, while the Silver Lion for a promising young artist went to Haroon Mirza. The jury—comprising Hassan Khan (Egypt), Carol Yinghua Lu (China), Letizia Ragaglia (Italy), Christine Macel (France), and John Waters—also assigned two special mentions, one to the Lithuanian pavilion, which was represented by Darius Miksys, and one to Klara Lidén’s work Untitled (Trashcan), 2011, on display in the Arsenale. Additionally, according to Curiger’s proposal, the artists Sturtevant and Franz West were awarded Golden Lions for Lifetime Achievement."In case you are thirsty for more, here other recommended sources to read/see: for the next two weeks Roberta Smith will discuss one of the 'pieces that stuck with her for good or for bad' on the The New York Time's under the title 'Everyone's a Critic' - you can contribute with your impressions writing 6 words; sweet storytelling NYTimes blog with illustrations by Christoph Niemann, or the ever useful and always growing Center for the Aesthetic Revolution blog by cultural agent, independent curator, exhibition organizer, amateur researcher, public editor, occasional writer, museum-art fairs-collections adviser, retired architect, and aesthetic dilettante Pablo León de la Barra.

And finally, before ending with full slideshows of the Biennale, an interesting article titled
'The Venice Effect' by Olav Velthuis (The Art Newspaper, 3 June 2011) to read on your way to Basel focusing on the dealers’ credo: “See it in Venice, buy it in Basel.”

Slideshow of the Giardini:



Slideshow of the Arsenale:


Slideshow of the Eventi Collaterali:




Some numbers on the 54th Venice Biennale:

  • 83 artists
  • 28 country pavilions in Giardini, used by the 30 official countries considered permanent participants.
  • 89 participating countries this year(77 in the 2009 Biennale)
  • 37 Collateral Events
Bice Curiger portrayed by Thomas Kilpper, Danish Pavilion.

2011 Venice Biennale director Bice Curiger, is an art historian, critic and curator. Her curatorial activity at Kunsthaus Zurich parallels her important work in the publishing sector. In 1984, she co-founded the prestigious art magazine “Parkett”, of which she is editor-in-chief. She has been publishing director of London Tate Gallery’s magazine “Tate etc” since 2004. She is the author of a number of publications on contemporary art, among which “The Collected Writings” (Lindinger+Schmid, Regensburg, 2002), “Looks and tenebrae” (Peter Blum Editions, New York and Zurich, 1983), and a monograph on Meret Oppenheim, “Spuren durchstandener Freiheit” (ABC Publisher, Zurich, 1982, English translation 1990, MIT Press, Boston).

All photos: Latitudes | www.lttds.org

Newsletter #34 - Junio/June 2011


LAST DAYS...

'Amikejo: Iratxe Jaio & Klaas van Gorkum',
Laboratorio 987, 2011 season guest curated by Latitudes, MUSAC, León. Until 12 June.


IN JUNE...


'Amikejo: uqbar (Irene Kopelman and Mariana Castillo Deball)', third part of the exhibition cycle 'Amikejo' at the Laboratorio 987, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, León, 25 June–11 September. Opening: Saturday 25 June, 6pm.


'Campus': a free, temporary and non-credited art school, Espai Cultural Caja Madrid, 27 June–28 August 2011.

28 & 30 June 2011: Conferences 'Alrededor de 'Campus': Cuatro casos de estudio para la educación artística'. (28 June, 19-21h,
Auditorio Espai Cultural Caja Madrid) Bartomeu Marí on the Rijksakademie, Amsterdam; Jennifer Teets on SOMA, México DF; (30 June, 19-21h, exhibition space, Espai Cultural Caja Madrid) Carles Guerra on The Mountain School of Arts, Los Angeles and Nikolaus Hirsch on the Städelschule, Frankfurt. Espai Cultural Caja Madrid, Plaça Catalunya 9, Barcelona. Programme (in Spanish): http://bit.ly/kZ12vD



www.youtube.com/LatitudesVideos
www.flickr.com/photos/lttds/

Photos 'In conversation with Lara Almarcegui', 19 May 2011, TENT, Rotterdam



'An evening with Lara Almarcegui', TENT Rotterdam, 2011. Photos: Aad Hoogendoorn.


On Thursday 19 May, Latitudes hosted an in conversation with Zaragoza-born, Rotterdam-based Lara Almarcegui in TENT, where she currently has a solo show (until 26 June).

Manifesta 9 curator, art historian and essayist for the catalogue, Cuauhtémoc Medina, also joined reading some of the passages of his essay 'Lara Almarcegui and the freedom of the unplanned' which will be included in the forthcoming monograph of the artist published by Archive Books and edited by Latitudes.







During the event Latitudes showed 60 images of Almarcegui's recent work, discussed her TENT exhibition, showed draft pages of the forthcoming publication and shared a selection of questions sent by curators, gallerist, artists, colleagues and collaborators of Almarcegui, giving an opportunity to revisit some of her projects produced since 1995.

These included questions from Bik van der Pol, Ellen de Bruijne, Claire Doherty, Eva González-Sancho, Lars Bang Larsen, Pablo León de la Barra, Francesco Manacorda, Markus Miessen, Eva Scharrer, Hans Schabus and Manuel Segade.







Thank you to those who joined us and to those who participated from afar with their questions.

Contenidos sesiones de trabajo de 'Campus' con Libia Castro & Ólafur Ólafsson, Renata Lucas, Peter Piller y Adrià Julià

Libia Castro & Ólafur Ólafsson, Fragmento film 'Lobbyist' (2009). Cortesía de los artistas.

Semana 1: 4–8 Julio 2011

Sesión de trabajo con Libia Castro & Ólafur Ólafsson


Durante esta semana se experimentará con el género del retrato y la documentación de situaciones, partiendo de un diálogo con propuestas artísticas de la última década, así como las prácticas (post)conceptuales, intervencionistas, relacionales y los 'nuevos realismos'. A partir del trabajo en equipo, se fomentará la interdisciplinaridad empleando fundamentalmente vídeo, fotografía y sonido. Reflexionando sobre su representación como construcción desde un punto de vista comprometido y crítico, se abordará el retrato a partir de situaciones y actividades concretas (cotidianas o no) encontradas, intervenidas o creadas. Al mismo tiempo se trabajará desde un punto de vista conceptual plástico intervencionista con el material en cuanto a su presentación y forma, introduciendo ideas para formatos que pueden ser presentados en distintos contextos.

Libia Castro (Madrid, 1969) y Ólafur Ólafsson
(Reykjavik, 1973), residentes en Berlín y Róterdam, trabajan juntos desde 1997. Su obra reflexiona sobre la vida cotidiana, el trabajo, la migración, la identidad, el género, la comunicación y el espacio habitado. Han expuesto individualmente en el Reykjavík Art Museum, Reykjavík (2008); Künstlerhaus Bethanien, Berlin (2008); CAC Málaga, Málaga (2007); Galerie Martin van Zomeren, Amsterdam (2006) y en De Appel, Contemporary Art Center, Amsterdam (2004). Su trabajo se ha expuesto en exposiciones como ‘PRIX DE ROME.NL 2009’, De Appel, Amsterdam (2009); ‘Principle Hope', Manifesta 7, Trentino (2008); ‘Be(com)ing Dutch’, Van AbbeMuseum, Eindhoven (2008); ‘On Mobility’, De Appel, Amsterdam y Contemporary Art Centre, Vilnius (2005); ‘Tracer’, Witte de With y TENT, Róterdam (2004). En el 2011 representarán a Islandia en la 54 Biennale di Venezia y exhibirán en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla. www.libia-olafur.com



Renata Lucas, Cruzamento (Crossing), 2003. Foto: Beto Felicio. Cortesía de la artista.

Semana 2: 11–15 Julio
 2011
Sesión de trabajo con Renata Lucas
(13 Julio, invitado semanal: Luis Bisbe,
artista, Barcelona)


Renata Lucas iniciará su semana con una pequeña introducción sobre su trabajo y seguidamente abrirá el debate para conocer el trabajo y los intereses de los estudiantes. Durante la semana el grupo hablará sobre el espacio expositivo y sus cercanías como creadores de realidades que pueden explorarse a través de una serie de potenciales intervenciones, alteraciones o desplazamientos.

Renata Lucas
(Ribeirão Preto, 1971) vive entre São Paulo y Rio de Janeiro, Brasil. Lucas manipula los espacios urbanos reflexionando sobre lo público y sobre cómo los espacios construidos determinan nuestras acciones, comportamientos o relaciones sociales. Entre sus exposiciones individuales descatan: ‘Falha’, REDCAT, Los Angeles (2007); ‘Atlas’, Galeria Millan Antonio, São Paulo (2006); ‘Gentileza’, Galeria A Gentil Carioca, Rio de Janeiro (2005). Ha participado en las colectivas: ‘Tiempo como materia’, Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Barcelona (2009); 53 Biennale di Venezia, Venecia (2009); ‘Revolutions: Forms that turn’, Biennale of Sydney, Australia (2008); ‘The World as a Stage’, Tate Modern y ICA Boston (2007–8); y ‘Como Viver Junto’, 27 Bienal de São Paulo, São Paulo (2006). En el 2010 obtuvo el Ernst Schering Foundation Art Award, premio que le permitió realizar una exposición individual en el KW Institute for Contemporary Art, Berlin.



Vista exposición de Peter Piller en Andrew Kreps, Nueva York, 2007. Cortesía del artista.

Semana 3: 18–22 Julio
 2011
Sesión de trabajo con Peter Piller
(20 Julio, invitado semanal: Francesc Ruiz, artista, Barcelona)

Peter Piller centrará su semana en el análisis de libros y catálogos de artista. Empezará mostrando su trabajo enfocándose particularmente en los 20 publicaciones que ha publicado hasta la fecha y sobre su propia experiencia acerca del proceso de edición – el contacto con el editor, la (auto)financiación, la impresión, etc. Mediante el análisis de unos 50 libros de artista – no la historia de libros de artista – los estudiantes entrarán en contacto con casos específicos de producción editorial y artística. Cada estudiante, en diálogo con Piller, irá elaborando una maqueta de lo que sería su propio libro de artista, teniendo en cuenta el formato que más se ajuste a su práctica artística.

Peter Piller (Fritzlar, 1968), vive entre Hamburgo y Leipzig. Desde el 2006 es profesor de fotografía en la Hochschule für Grafik und Buchkunst, Hamburgo. El trabajo de Piller se centra en la meticulosa labor de coleccionar, seleccionar y clasificar fotografías procedentes de archivos, periódicos locales e internet, retratando un microcosmos de situaciones cómicas, absurdas, prosaicas e incluso macabras. Ha expuesto individualmente en: ‘To Be Determined’, Andrew Kreps Gallery, Nueva York (2009); ‘Aesthetics and Boredom’, Kunsthaus Glarus, Switzerland (2007); ‘Swiss Landscapes’, ProjecteSD, Barcelona (2008); ‘In Löcher Blicken’, Kunstverein Salzburg, Salzburg (2007); ‘Peter Piller Archives’, Witte de With, Rotterdam, Holanda (2005). Su obra ha sido expuesta en exposiciones colectivas: ‘The Logic Of Association’, MOMA PS1, Nueva York (2010); ‘Anti-Photojournalism’, La Virreina Centre de l’Image, Barcelona (2010); ‘The order of Things’, Muhka, Amberes, Bélgica (2008) y ‘Unsolved cases’, Hamburger Kunsthalle, Hamburg (2007). www.peterpiller.de



Adrià Julià, Notes on the Missing Oh (2010). Installation. Cortesía del artista.

Semana 4: 25–29 Julio
 2011
Sesión de trabajo con Adrià Julià
(27 Julio, invitado semanal por confirmar)

Esta última semana se enfocará a la performatividad del discurso artístico y se trabajará sobre los distintos mecanismos de presentación y representación del propio trabajo y del ajeno. Los participantes trabajarán entorno a las estrategias narrativas que pasan por la inmediatez, la presencia, la delegación y la ausencia tanto individual como colectiva. Siendo ésta la última semana, Julià abordará las conclusiones de las experiencias acumuladas durante todas las sesiones de trabajo y los modos de presentación de las obras para la fase expositiva (29 Julio–28 Agosto).

Adrià Julià
(Barcelona, 1974) vive y trabaja en Los Angeles, donde se graduó en el California Institute of the Arts, Los Angeles (2003). Julià estudia los comportamientos humanos desde conceptos como memoria, resistencia, desplazamiento, sobrevivencia o erosión, para reflexionar sobre la libertad y las relaciones personales. Entre sus exposiciones individuales destacan: ‘Indications for Another Place’, Museo Tamayo, México D.F. (2010); ‘No Place Like Home’, Insa Art Space, Seoul, Korea (2009); ‘A Means of Passing the Time’, LAXART, Los Angeles (2007); ‘La Villa Basque’, Vernon, California’, Artists Space, Nueva York (2005). Ha participado en numerosas colectivas, entre las que se encuentran: ‘Antes que todo’, Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles (2010); 7 Bienal do Mercosul, Porto Alegre (2009); ‘The little shop on Hoxton Street’, Limoncello Gallery, Londres (2009); 9 Biennale de Lyon, Lyon (2007). En el 2011 Julià es investigador en la Jan van Eyck Academie, Maastricht.



Combinando modelos de escuela experimental y de residencia de artistas, 'Campus' es una escuela temporal, gratuita y sin créditos que tendrá lugar en el Espai Cultural Caja Madrid (Barcelona) entre el 27 Junio y el 28 Agosto 2011.

'Campus' es un proyecto piloto concebido y dirigido por Latitudes y producido por Obra Social Caja Madrid.


CAMPUS, programa conferencias: 'Cuatro casos de estudio de educación artística', 28 y 30 junio, Espai Cultural Caja Madrid, Barcelona

PROGRAMA DE CONFERENCIAS
'Alrededor de 'Campus': Cuatro casos de estudio para la educación artística'

Martes 28 y jueves 30 de junio, 19-21h

Entrada gratuita. Aforo limitado. Traducción simultánea (*)

 
Coincidiendo con el inicio de 'Campus', Latitudes organiza las dos conferencias ‘Alrededor de Campus: Cuatro casos de estudio para la educación artística’, que presentarán y analizarán cuatro modelos educativos independientes destinados a artistas que actualmente tienen lugar en Ámsterdam, México D.F., Los Ángeles y Frankfurt.

PROGRAMA 

MARTES 28 JUNIO 2011 
Auditorio, Espai Cultural Caja Madrid, Barcelona

19h

Bienvenida e introducción por Latitudes, oficina curatorial y directores de
'Campus'
19.10–19.50h
 

Bartomeu Marí, Director, Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), presentará la Rijksakademie, Ámsterdam.
19.50–20.30h

Jennifer Teets, Comisaria independiente y escritora, París, presentará a SOMA, México D.F.
20.30h–21h
 

Preguntas y respuestas.

PROGRAMA JUEVES 30 JUNIO 2011

Sala exposiciones,
Espai Cultural Caja Madrid, Barcelona


19h
 

Bienvenida e introducción por Latitudes, oficina curatorial y directores de 'Campus'
19.10–19.50h
 

Carles Guerra, Director, La Virreina Centre de la Imatge, Barcelona, presentará The Mountain School of Arts, Los Ángeles.
19.50–20.30h

Prof. Nikolaus Hirsch, Rector, Staatliche Hochschule für Bildende Künste - Städelschule, Frankfurt-am-Main, presentará la Städelschule, Frankfurt-am-Main.
(*) Con traducción simultánea inglés-castellano.

20.30h–21h
 

Preguntas y respuestas



SOBRE LOS CASOS DE ESTUDIO

 


La Rijksakademie van beeldende kunsten en Ámsterdam, es un "instituto de artistas nacionales e internacionales de máximo talento". Su nombre alude a las academias clásicas, un lugar donde filósofos, académicos y artistas se reúnen e intercambian ideas y conocimiento. La Rijksakademie ofrece residencias de investigación y producción de un máximo de 2 años de duración a unos 25 artistas por año, ofreciéndoles la oportunidad y el apoyo económico para que éstos puedan concentrarse en su investigación, en la producción y la discusión de su trabajo, con la idea de que éste expanda y acelere así su profesión, ya sea a nivel individual y social. La Rijksakademie también organiza el Prix de Rome, el premio bianual estatal ofrecido a artistas y arquitectos menores de 35 años. 

http://www.rijksakademie.nl/



web de SOMA


SOMA es un espacio destinado al arte contemporáneo sin fines de lucro, concebido por los artistas Yoshua Okón, Aimee Servitje y Eduardo Abaroa, y cuya dirección académica corre a cargo de Bárbara Hernández. La iniciativa incluye tres elementos: en primer lugar, un programa educativo de profesionalización artística con duración de dos años cuya finalidad es poner en contacto a jóvenes artistas de México con comisarios y artistas destacados. El SOMA Summer, dirigido por Carla Herrera-Prats, es un curso de verano que recibe a artistas jóvenes de varios países del mundo. SOMA también organiza cursos de divulgación cultural para el público general. En segundo lugar, SOMA programa eventos semanales gratuitos y abiertos al público: 'Miércoles de SOMA ', a cargo de Homero Fernández, en los que se presentan libros, performances, proyecciones de video o el trabajo de artistas. En último lugar, SOMA tiene un programa de residencias que recibe a artistas y comisarios internacionales con el fin de que interactúen el grupo de estudiantes.
http://somamexico.org




The Mountain School of Arts es una escuela independiente y gratuita establecida en 2005 por los artistas Piero Golia y Eric Wesley, con el objetivo de ofrecer una alternativa orgánica al modelo universitario mediante un programa libre de estrés, gratuito y de mutuo beneficio para los participantes. 15 alumnos de diversas procedencias se reúnen anualmente entre enero y marzo en la sede de MSA^: el bar 'The Mountain', en Chinatown, donde asisten a clases dos veces por semana, 3 horas al día. El programa también incluye conversaciones semanales y conferencias a cargo de artistas visitantes, cineastas, científicos y destacados expertos.
http://www.themountainschoolofarts.org

 

web de la Städelschule

La Städelschule es una academia internacional dedicada a las artes visuales y a la arquitectura, que cuenta con el 60% de los estudiantes y profesores provenientes del extranjero. Städelschule se distingue por ser gratuita y por el perfil del profesorado, que incluye a reconocidos artistas tales como Douglas Gordon, Mark Leckey, Simon Starling, Wolfgang Tillmans, Martha Rosler, Willem de Rooij o Tobias Rehberger. El programa académico de la Städelschule parte del diálogo con el tutor elegido por el estudiante y se centra en el trabajo individual de éste en su estudio. Asímismo, se complementa con un intenso programa conferencias de renombrados profesionales que visitan anualmente Städelschule. Desde el 1987, la Städelschule programa el espacio Portikus, un importante centro de arte experimental donde artistas de todo el mundo exhiben y donde los estudiantes tienen la oportunidad de participar activamente en la producción de exposiciones.  
http://www.staedelschule.de



BIOGRAFÍAS PONENTES (por orden de aparición)
Bartomeu Marí (Eivissa, 1966. Vive y trabaja en Barcelona) es director del Museu d'Art Contemporani de Barcelona desde 2008, donde fue Comisario Jefe desde el 2004. Licenciado en Filosofía por la Universidad de Barcelona, Marí fue comisario de exposiciones en la Fondation pour L'Architecture, Bruselas (1989–1993), conservador en el Instituto Valenciano de Arte Moderno Centre Julio González (1993-1995) y director del Witte de With Center for Contemporary Art en Rotterdam (1996–2001). En el 2002, Marí comisarió la Bienal de Taipei en Taiwan junto con Chia-chi Jason Wang, y en el 2004 comisarió con James Lingwood la exposición Juan Muñoz. La Voz Sola. Esculturas, dibujos y obras para la radio, La Casa Encendida, Madrid. En el 2005 fue comisario del Pabellón Español en la 51 Bienal de Venecia en la que Antoni Muntadas fue el artista invitado. Marí ha comisariado numerosas exposiciones de artistas tales como Raoul Hausmann, Lawrence Weiner, Rita McBride, Eulàlia Valldosera, Francis Picabia, Pierre Bismuth, Marcel Broodthaers, Michel François, y Francis Alÿs, entre otros.

Jennifer Teets (Houston, 1978. Vive y trabaja en París) es comisaria independiente y escritora. Entre el 2003–7, Teets fue comisaria jefe de 'El Cubo', en la Sala de Arte Pública Siqueiros en México D.F. En el 2007 fue residente en Platform Garanti, Estanbul, y en el 2009 residente en la Kadist Art Foundation, Paris, donde presentó la exposición This place you see has no size at all… Entre sus proyectos curatoriales destacan: HaVE A LoOk! Have a Look!, FormContent, Londres (2010), If you do know that “here is one hand” en el CAC, Lituania (2010); Locus Solus, MYTO, México D.F. (2007), Pink Not Dead! (co-comisariada con Maurycy Gomulicki), Garash Galería, México D.F. (2006), Réplica, Museo Universitario de las Ciencias y las Artes, México D.F. (2004). Actualmente está preparando exposiciones en la Fondazione Giuliani, Roma, y para la galeria stereo en Poznan, Polonia. Teets contribuye en revistas tales como frieze, Mousse, SPIKE y Novembre y en el 2010 formó parte del equipo de profesorado de SOMA Summer en México D.F.

Carles Guerra (Amposta, 1965. Vive y trabaja en Barcelona) es director de La Virreina Centre de la Imatge desde el 2009 y ha sido recientemente nombrado Conservador Jefe del Museu d'Art Contemporani de Barcelona, donde se incorporará a partir de Septiembre 2011. Guerra es doctor en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona y en The New School for Social Research, Nueva York. Guerra colabora como profesor asociado en la Universitat Pompeu Fabra, así como profesor invitado en la Universitat de Barcelona y la Universitat de Girona. Ha sido profesor invitado en el Center for Curatorial Studies del Bard College (Annandale-on-Hudson, Nueva York), Konstfack (Estocolmo). Entre sus publicaciones destacan N de Negri. Una conversació amb Antonio Negri (2000), Allan Sekula habla con Carles Guerra (2005) y ensayos o artículos en numerosos medios. Ha sido vocal del consejo de administración del Instituto de Cultura del Ayuntamiento de Barcelona (ICUB), y desde 2009 es miembro del comité científico del Lieven Gevaert Research Centre for Photography, Bélgica. En el 2011 ha sido galardonado con el Premio Ciutat de Barcelona en la modalidad de artes visuales.

Nikolaus Hirsch (Karlsruhe, 1964. Vive y trabaja en Frankfurt) es arquitecto y desde el 2010 es Rector de la Städelschule, en Frankfurt. Hirsch ha sido profesor en el Institute of Applied Theatre Studies en la Giessen University (2003-2004), en HfG Karlsruhe (2004), en la Architectural Association en Londres y en UPenn en Philadelphia, y es miembro del programa Comisariando Arquitectura de Goldsmiths College en Londres. Su trabajo arquitectónico incluye proyectos como la Dresden Synagogue, el Hinzert Document Center, el European Kunsthalle en Colonia, United Nations Plaza (con Anton Vidokle) en Berlín, Cybermohalla Hub en Delhi o un espacio-estudio para The Land de Rirkrit Tiravanija. Ha sido galardonado con premios como el World Architecture Award 2002 o el German Critics Award 2001. Su obra ha sido expuesta en New German Architecture (2003), Utopia Station, Venice Biennale (2003) y Can Buildings Curate?, Architectural Association, London y Storefront Gallery, Nueva York (2005). Entre sus publicaciones destaca On Boundaries (Sternberg Press, 2007), una selección de textos sobre las relaciones entre arquitectura, modelos artísticos y de comisariado.

(Moderador)

Latitudes es una oficina curatorial independiente dirigida por Max Andrews (Bath, 1975) y Mariana Cánepa Luna (Montevideo, 1977) fundada en el 2005 y con sede en Barcelona. Recientemente, Latitudes participó como organización asociada en la exposición The Last Newspaper, en el New Museum de Nueva York (2010–11) para la cual editaron un periódico semanal durante diez semanas y actualmente son comisarios invitados de la temporada 2011 del Laboratorio 987, en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC). 

Proyecto concebido y dirigido por Latitudes y producido por Obra Social Caja Madrid.

Síguenos: #campusespai


Espai Cultural Caja Madrid
Plaça Catalunya 9 (esquina Rambla de Catalunya), 08002 Barcelona

Seleccionados para participar en 'Campus', Espai Cultural Caja Madrid en Barcelona

Latitudes, directores de 'Campus', convocaron el 30 de marzo la apertura del proceso de solitud para participar en 'Campus', la escuela de arte piloto, gratuita y sin créditos universitarios de carácter experimental destinada a 15 artistas de cualquier nacionalidad, nacidos en o después de 1980. 'Campus' tendrá lugar entre el 27 Junio y el 28 de Agosto, en el Espai Cultural Caja Madrid de Barcelona y se divirá en tres fases (véase calendario).

El plazo de presentación de solicitudes finalizó el 29 Abril a las 18h., presentándose a la convocatoria un total de 63 candidatos.

Tras una exhaustiva pre-selección y entrevistas telefónicas, y acorde con lo dispuesto en las bases de la convocatoria, los siguientes artistas han sido seleccionados (por orden alfabético, por apellido):


  1. Claudia Claremi (Madrid–Madrid),
  2. Diogo Evangelista (Lisboa–Lisboa),
  3. Alia Farid (Kuwait–Barcelona),
  4. Jordi Ferreiro (Barcelona–Barcelona),
  5. José Joaquin Figueroa (Caracas–Nueva York),
  6. Lola Lasurt (Barcelona–Barcelona),
  7. Federico Martelli (Santiago de Chile–Londres),
  8. Momu & No Es (Lucia Moreno/Eva Noguera, Basilea/Barcelona–Madrid),
  9. Quim Packard (Reus–Barcelona),
  10. Ariadna Parreu (Reus–Barcelona),
  11. Antoine Renard (Paris–Berlin),
  12. Maria Salazar (Logroño–Bilbao),
  13. Daniel Silvo (Cádiz–Madrid),
  14. Carlos Valverde (Cáceres–Barcelona) y
  15. Mónica Zamudio (Bogotá–Bogotá)
Latitudes aprovecha la oportunidad para agradecer especialmente a todos aquellos que han enviado sus solicitudes desde Barcelona, Madrid, Sant Antonio de Venaga, Buenos Aires, San Francisco, Londres, Bogotá, Praga, Nueva York, Berlin, San Sebastián de los Reyes, Argentuil, Valencia, Vilassar de Mar, Sant Cugat, Santiago de Chile, L'Hospitalet de Llobregat, Lisboa, Badajoz, Lima, Pamplona, Gavà, Vilafranca del Penedès, Cuenca y Logroño!

Os animamos a que sigáis el progreso de 'Campus' a través de twitter (#campusespai) y de nuestra web ( www.lttds.org ) y blog (
www.lttds.org/blog ).

19 May, 20h: 'An evening with Lara Almarcegui', TENT, Rotterdam

Several guides by Lara Almarcegui. Photo: Latitudes | www.lttds.org

On the occasion of Lara Almarcegui's solo show at TENT, Rotterdam (opening tomorrow 6 May and on view until 26 June 2011), Latitudes' will host an in conversation on May 19 (20h) with the Spanish-born Rotterdam-based artist to discuss their long-term collaboration as well as the editing process of the forthcoming monograph 'Lara Almarcegui. Projects 1995-2010'. (+ info...)

Manifesta 9 curator, art historian and essayist for the catalogue, Cuauhtémoc Medina, will also participate reading some of the passages of his essay 'Lara Almarcegui and the freedom of the unplanned' during the evening.

During the event Latitudes will also bring forward a selection of questions posed by curators, gallerist, artists, colleagues and collaborators of Almarcegui, giving an opportunity to revisit some of her projects produced since 1995
– see photos event.

Title:
'Lara Almarcegui: Projects 1995–2010'
Editor: Latitudes
Publish & Design: Archive Books, Berlin
Texts: Cuauhtémoc Medina, Lars Bang Larsen and
Latitudes

224 pages, colour, 21 x 27.5 cm. Black-and-white and colour illustrations. Flexicover, English.
Print run: 2,500 copies
ISBN: 978-88-95702-05-6
Release date: Fall 2011
Cover price: € 35


Publication possible thanks to the support of the Fonds BKVB (Netherlands Foundation for Visual Arts, Design and Architecture).

Seminario 'Sobre los distintos formatos de las prácticas curatoriales', A*Study, 9–13 Mayo 2011

Mesa trabajo A*Study. Foto: A*Desk

Entre el 9 y el 13 Mayo, Latitudes impartirá el seminario 'Prácticas curatoriales. Sobre los distintos formatos de las prácticas curatoriales'. Organizado por A*Desk, A*Study es un programa de estudios de Noviembre a Junio enfocado en la introducción y el desarrollo profesional en el ámbito del arte contemporáneo.

Durante el seminario se analizarán distintos formatos curatoriales que han tenido lugar desde los años sesenta de la mano de comisarios y artistas, aunque se
concentrará especialmente en la producción de la última década a partir casos de estudio de carácter transversal e internacional. Asimismo, se investigarán los retos y los conflictos que afrontan instituciones, artistas, comisarios y el público.


Fotograma de 'Friendly Enemies'. "David (inspired by Michelangelo)" (2005) de Serkan Özkaya.

El seminario se iniciará con la proyección del documental 'Friendly Enemies' (2010, 54', inglés), realizado por la comisaria holandesa Danila Cahen. Filmado durante la preparación, montaje e inauguración de la Bienal de Estambul en 2005, Cahen aprovecha el work-in-process de este evento para entrevistar a profesionales del arte contemporáneo sobre la relación entre el comisario y el artista y para intentar definir el rol que ambos juegan en la práctica curatorial. A través de material de archivo y entrevistas a comisarios como Saskia Bos, Charles Esche, Alex Farquharson, Vasif Kortun, Gerardo Mosquera, o artistas como Hüseyin Alptekin, Yael Bartana, Pavel Büchler, Daniel Buren, Dan Perjovschi (entre otros) se recuperan momentos importantes en la historia de las exposiciones que intentan analizar y definir la cambiante labor del comisario y su relación con el artista.



Seminario en A*Study. Fotos: Gerda Kochanska. Cortesía: A*Desk.

A*Desk
Carrer de Tagamanent, 9
08012 Barcelona

Agradecemos a Danila Cahen por dejarnos compartir su documental con fines educativos.

Video entrevista a Iratxe Jaio y Klaas van Gorkum sobre su exposición 'Amikejo' en el Laboratorio 987, MUSAC, León



Video entrevista en castellano con subtítulos en inglés.

Segundo capítulo del ciclo 'Amikejo': Iratxe Jaio & Klaas van Gorkum
Laboratorio 987, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
9 Abril – 12 Junio 2011
Para el segundo capítulo de 'Amikejo', Iratxe Jaio y Klaas van Gorkum presentan un proyecto en torno a los valores cambiantes del trabajo y la propiedad, examinando las posibles lecturas alternativas, tanto políticas como personales, de un mismo legado cultural.

Citando a los propios artistas: “El abuelo de Klaas era de una generación que consideraba que el ‘tiempo libre’ debía invertirse en algo productivo. Al jubilarse, encargó a sus antiguos compañeros del taller que le forjaran un torno para poder dedicarse a tornear la madera. A una edad avanzada, pudo completar su modesta pensión vendiendo los frutos de su afición a la comunidad que conformaba su red social en aquel momento. A su muerte, dejó a su hijo una caja de puros llena de recortes de revistas, bocetos y patrones de diversos objetos que se podían fabricar con madera torneada, con la idea de que en algún momento pudieran ser de utilidad.
Jaio and van Gorkum han tomado el contenido de esta caja como punto de partida para una exploración conceptual y reflexiva de la idea de la producción artística. Durante el último año, han rastreado lo que queda del legado del abuelo de Gorkum, Jos van Gorkum (1911–1996) y han podido localizar casi ochenta artículos en las casas de una extensa red de familiares, amigos y antiguos vecinos a lo largo y ancho de los Países Bajos.

La exposición presenta una selección de unos
treinta utensilios domésticos realizados por Jos van Gorkum –entre los que se encuentran candeleros, cuencos, ensaladeras, pies de lámpara y pedestales– acompañados de fotografías tomadas en el contexto doméstico original donde se encontraba cada uno de los objetos seleccionados. Los artistas también han podido recuperar la torneadora original con la que se fabricaron los artículos y la han vuelto a poner en marcha. Documentando cada paso del proceso en video, han realizado una serie de experimentos de torneado, vinculando sus acciones físicas en tanto que artistas (y diletantes profesionales) con la productividad del obrero industrial jubilado.

Los resultados de este proceso se incorporaran a la instalación como elementos de apoyo de la plataforma en la que se exhiben los objetos originales. Además, tres monitores muestran una película corporativa de la fábrica de hélices Lipps en la que Jos van Gorkum trabajó hasta su jubilación; el torno en el que los artistas han producido las 49 bases de madera torneada que soportan la plataforma expositiva; y por último el proceso de digitalización de los recortes de revistas, dibujos y plantillas para realizar objetos de madera guardados en una caja de puros que Jos van Gorkum legó a su hijo al morir. (+ info...)

Página web serie expositiva 'Amikejo' y
fotografías exposición.

MAÑANA 29 ABRIL, 18h. FINALIZA PLAZO SOLICITUDES PARA PARTICIPAR EN CAMPUS!


'CAMPUS'
27 Junio–28 Agosto 2011
Espai Cultural Caja Madrid, Barcelona


Tutores
: Libia Castro & Ólafur Ólafsson (sesión trabajo #1), Renata Lucas (sesión trabajo #2), Peter Piller (sesión trabajo #3) y Adrià Julià (sesión trabajo #4).

Recepción solicitudes:
hasta el viernes 29 Abril 2011, 18h.

Descargar bases convocatoria y formulario inscripción: http://www.lttds.org/campus
Enviar las solicitudes (véase requisitos en bases convocatoria) a:
[email protected]

Campus es un proyecto piloto: una escuela de arte gratuita, temporal y sin créditos universitarios, dedicada a la reflexión y al intercambio de ideas, experiencias y conocimiento. Campus se plantea como un espacio de encuentro con un enfoque multidisciplinario dirigido a jóvenes artistas de cualquier nacionalidad nacidos en o después de 1980, con dominio de español e inglés (las sesiones serán bilingües). Durante Julio del 2011, el Espai Cultural Caja Madrid, se convertirá en una escuela híbrida, un espacio a camino entre un estudio, una sala de proyecciones, una sala de conferencias, una residencia y un seminario.
El programa de Campus se divide en tres partes:

F
ase 1, 27 junio–1 julio: presentaciones internas de los trabajos de los participantes de Campus y dos sesiones abiertas al público donde se presentarán 4 casos de estudio de educación artística autónoma o independiente con el fin de analizar los nuevos modelos pedagógicos que se vienen implementando a nivel internacional;

F
ase 2, 4–29 julio: cuatro sesiones de trabajo de una semana de duración, bajo la tutoría de cuatro artistas con una consolidada trayectoria internacional: Libia Castro y Ólafur Ólafsson, Renata Lucas, Peter Piller y Adrià Julià;
– Fase 3, 29 julio–28 agosto: exposición de los proyectos.
Combinando los modelos de escuela de arte y de residencia artística, artistas locales e internacionales compartirán su trabajo, ofreciendo un programa flexible cuyo contenido se verá ampliamente definido por los deseos y expectativas de sus mismos participantes. El objetivo es estimular la experimentación y el diálogo, potenciar la auto-organización del grupo, así como la autonomía de cada estudiante, desarrollando su capacidad crítica mediante tutorías personales y de grupo. Los tutores plantearán enfoques no convencionales donde se tratarán cuestiones prácticas, estéticas e intelectuales. El uso compartido de la sala expositiva, dotada con un mínimo equipamiento técnico, permitirá centrar la atención en el intercambio de ideas.
Se seleccionará a 15 participantes entre las candidaturas recibidas. La selección de participantes se comunicará vía email entre el 9 y el 13 de Mayo 2011.
Cada participante deberá hacerse cargo de sus propios gastos de su desplazamiento, alojamiento y manutención.
Para más información léase 'bases convocatoria' (incluye apartado de 'Preguntas frecuentes').


Tutores de 'Campus':
Libia Castro (Madrid, 1969) y Ólafur Ólafsson (Reykjavik, 1973), residentes en Berlín y Róterdam, trabajan juntos desde 1997. Su obra reflexiona sobre la vida cotidiana, el trabajo, la migración, la identidad, el género, la comunicación y el espacio habitado. Han expuesto individualmente en el Reykjavík Art Museum, Reykjavík (2008); Künstlerhaus Bethanien, Berlin (2008); CAC Málaga, Málaga (2007); Galerie Martin van Zomeren, Amsterdam (2006) y en De Appel, Contemporary Art Center, Amsterdam (2004). Su trabajo se ha expuesto en exposiciones como ‘PRIX DE ROME.NL 2009’, De Appel, Amsterdam (2009); ‘Principle Hope”, Manifesta 7, Trentino (2008); ‘Be(com)ing Dutch’, Van AbbeMuseum, Eindhoven (2008); ‘On Mobility’, De Appel, Amsterdam y Contemporary Art Centre, Vilnius (2005); ‘Tracer’, Witte de With y TENT, Róterdam (2004). En el 2011 representarán a Islandia en la 54 Biennale di Venezia y exhibirán en el CAAC Sevilla. www.libia-olafur.com

Renata Lucas (Ribeirão Preto, 1971) vive entre São Paulo y Rio de Janeiro, Brasil. Lucas manipula los espacios urbanos reflexionando sobre lo público y sobre cómo los espacios construidos determinan nuestras acciones, comportamientos o relaciones sociales. Entre sus exposiciones individuales descatan: ‘Falha’, REDCAT, Los Angeles (2007); ‘Atlas’, Galeria Millan Antonio, São Paulo (2006); ‘Gentileza’, Galeria A Gentil Carioca, Rio de Janeiro (2005). Ha participado en las colectivas: ‘Tiempo como materia’, Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Barcelona (2009); 53 Biennale di Venezia, Venecia (2009); ‘Revolutions: Forms that turn’, Biennale of Sydney, Australia (2008); ‘The World as a Stage’, Tate Modern y ICA Boston (2007–8); y ‘Como Viver Junto’, 27 Bienal de São Paulo, São Paulo (2006). En el 2010 obtuvo el premio Ernst Schering Foundation Art Award.

Peter Piller (Fritzlar, 1968), vive entre Hamburgo y Leipzig. Desde el 2006 es profesor de fotografía en la Hochschule für Grafik und Buchkunst, Hamburgo. El trabajo de Piller se centra en la meticulosa labor de coleccionar, seleccionar y clasificar fotografías procedentes de archivos, periódicos locales e internet, retratando un microcosmos de situaciones cómicas, absurdas, prosaicas e incluso macabras. Ha expuesto individualmente en: ‘To Be Determined’, Andrew Kreps Gallery, Nueva York (2009); ‘Aesthetics and Boredom’, Kunsthaus Glarus, Switzerland (2007); ‘Swiss Landscapes’, ProjecteSD, Barcelona (2008); ‘In Löcher Blicken’, Kunstverein Salzburg, Salzburg (2007); ‘Peter Piller Archives’, Witte de With, Rotterdam, Holanda (2005). Su obra ha sido expuesta en exposiciones colectivas: ‘The Logic Of Association’, MOMA PS1, Nueva York (2010); ‘Anti-Photojournalism’, La Virreina Centre de l’Image, Barcelona (2010); ‘The order of Things’, Muhka, Amberes, Bélgica (2008) y ‘Unsolved cases’, Hamburger Kunsthalle, Hamburg (2007). www.peterpiller.de

Adrià Julià (Barcelona, 1974) vive y trabaja en Los Angeles, donde se graduó en el California Institute of the Arts, Los Angeles (2003). Julià estudia los comportamientos humanos desde conceptos como memoria, resistencia, desplazamiento, sobrevivencia o erosión, para reflexionar sobre la libertad y las relaciones personales. Entre sus exposiciones individuales destacan: ‘Indications for Another Place’, Museo Tamayo, Mexico DF (2010); ‘No Place Like Home’, Insa Art Space, Seoul, Korea (2009); ‘A Means of Passing the Time’, LAXART, Los Angeles (2007); ‘La Villa Basque’, Vernon, California’, Artists Space, Nueva York (2005). Ha participado en numerosas colectivas, entre las que se encuentran: ‘Antes que todo’, Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles (2010); 7 Bienal do Mercosul, Porto Alegre (2009); ‘The little shop on Hoxton Street’, Limoncello Gallery, Londres (2009); 9 Biennale de Lyon, Lyon (2007). En el 2011 Julià es investigador en la Jan van Eyck Academie, Maastricht.

Coordinación 'Campus': Julieta Manzano
Dirección Espai Cultural Caja Madrid, Barcelona: Carmen Cruañas
Diseño espacio: Yoel Karaso y Cecilia Tham (Collective Intelligence/Polyplicity), Barcelona

Campus es un proyecto concebido y dirigido por Latitudes www.lttds.org y producido por Obra Social Caja Madrid www.obrasocialcajamadrid.es





 


Espai Cultural Caja Madrid
Plaça Catalunya, 9 (esquina Rambla de Catalunya)

08002 Barcelona, ESPAÑA
www.facebook.com/espaicultural



Founded in 2005 by Max Andrews and Mariana Cánepa Luna, Latitudes is a curatorial office based in Barcelona, Spain, that works internationally across contemporary art practices.

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