Longitudes

Longitudes cuts across Latitudes’ projects and research with news, updates, and reportage.

Research project ‘Naming, possessing Critique of taxonomic practice’ by Agustín Ortiz Herrera, Barcelona Producció 2019–2020

Photo: Agustín Ortiz Herrera

Naming nature and taxonomizing it effectively was a priority for the emerging modern science emanating from the Age of Enlightenment. In its global epistemological conception, plant species from colonial explorations were catalogued in honour of white men of Western culture. At the same time, the cultivation of many of these plants was introduced into the streets and gardens of European cities, while the first botanical institutions were created.

As part of Agustín Ortiz Herrera's project ‘Naming, possessing Critique of taxonomic practice’, awarded the research grant Barcelona Producció 2019-2020 from La Capella (and one of the three projects mentored by Latitudes), and organised in collaboration with Hangar's Fictions of Dis-order program, Ortiz Herrera presents a series of guided tours and reading sessions where queer strategies will be questioning the narratives agreed upon by the modern scientific construct, introducing a decolonial narrative, and thus unveiling the secrets of plant species such as Sparrmannia, Washingtonia or Tulbaghia.


‘The colonial garden. Deconstructing the narratives of modern taxonomy’

Activity: Urban Route around the streets of Poblenou
Date: Friday 23 October 2020, 6–7:30 pm
Ortiz Herrera invites us to join him on a tour that aims to bring to light forgotten episodes in the development of botanical knowledge during the modern project while experimenting with queer/cuir confrontation strategies.
Meeting place to be confirmed. Participants will be notified.
Capacity: 20 people. 
Booking essential: [email protected]

Activity: Guided tour of the Barcelona Botanical Gardens
Date: Saturday 24 October 2020,11.30–13:30 am
During this second dérive, historical events will be explained using a methodology of situated knowledge that exposes the scale of the strategy of the cabinet of curiosities in botanical gardens.
Meeting place to be confirmed. Participants will be notified.
Capacity: 20 people. 
Booking essential: [email protected]

Activity: Modern Nature: a tribute to Derek Jarman
Date: Thursday 5 November 2020, 6–8 pm
Location: Hangar (Sala Ricson)
Reading group and discussion around Derek Jarman’s book Modern Nature. We will also be talking about Jarman’s film The Garden (1990) and his design for his garden at Prospect Cottage in the south-east of England.
Capacity: 40 people. 
Booking essential: https://forms.gle/4MQQXy72SwBxpV6V7
Organised by Hangar. With the support of Caja Negra Editorial.

Agustín Ortiz Herrera (Barcelona, 1970) works between moving image and performance. He studied Fine Arts at the University of Barcelona (1998), film-making in New York (2003) and obtained an MA in Fine Arts at the Konstfack College of Arts, Stockholm (2016). Recent exhibitions include Oblivion at K.R.O.P.P., Uppsala Konsert & Kongress, Uppsala (2019), Konst tar plats at Österbybruk, Sweden (2018), Potenciación a largo plazo at Paratext 24, Hangar, Barcelona (2017) and El umbral de primavera, Madrid (2018). He is currently resident at Hangar – Visual Arts Production and Research Centre in Barcelona.

Co-produced in the context of 
the “Fictions of Dis-order” programme of Hangar's  Research and Transfer of Knowledges activities.


Agustín Ortiz Herrera, Laboratori de Natura, Museu de Ciències Naturals de Barcelona, Video Still, 2020.


Agustín Ortiz Herrera
To Name, To Own. Critique of Taxonomic Practice
Research Project
Barcelona Producció 2019–2020

Agustín Ortiz Herrera’s research project To Name, To Own. Critique of Taxonomic Practice focuses on taxonomy and the modern classification system for natural species developed by Swedish botanist, zoologist, and physician Carl Linnaeus (1707–1778). Linnaeus’s most notable contribution to science was his invention of a system of binomial nomenclature for naming organisms. For example, the two-term name Homo sapiens describes the only living species of the genus Homo: humans. This convention became universally accepted and the nested hierarchy became quickly consolidated as the dominant cognitive basis of the Western worldview of nature.1 Linnaeus’s 1735 volume Systema Naturae not only classified the natural world, it also gendered it and thereby conditioned an understanding of natural history as a highly patriarchal structure. This condition has transcended science and come to dominate other fields of culture and knowledge.2

Ortiz has carried out his research in botanical collections, academic centres, and libraries specialising in Linnaeus’s scientific work located in Uppsala, Sweden (where Linnaeus ultimately became rector of the city’s university) and London (where the world’s oldest active biological society, The Linnean Society of London, was established in 1788).3 Honouring the Society’s motto “Naturae Discere Mores” (To Learn the Ways of Nature), Ortiz furthermore connects Linnaeus’s legacy with two key nodes of research in Spain: the Gabinet Salvador at the Botanical Institute of Barcelona and the former Museum of Zoology in Barcelona’s Ciutadella Park.4 In doing so he aims to bring taxonomic paradigms into the present and to critique them against recent and emerging post-human, queer, feminist and decolonial theories.5

Taking up Teresa Castro’s call for “queering nature” and “queering botanics”, Ortiz’s research refuses the anthropocentric and dualistic conception that has separated humans from non-humans in order to go beyond the constraints of Western exceptionalism and its colonising grip.6 Castro has identified a “plant turn” in current fields of knowledge and creation, where philosophers including Emanuele Coccia are inviting us to think about and with vegetation or fungi and to consider herbivorous or fungal relations and non-hierarchical modes of being. Such an approach chimes with the Brazilian anthropologist Eduardo Viveiros de Castro’s call for “decolonising thought” and to contest the hierarchical relationships between “our” thoughts and those of others.7

Another important point of Ortiz’s research has been foregrounding the scientific work of Lynn Margulis (1938–2011), the unorthodox scientist whose theories around evolution and symbiosis were often mocked and ignored by the male establishment for appearing to contradict Charles Darwin’s dogma of natural selection. As a proponent of the endosymbiotic theory, Margulis posited that simple life forms merged, forming cell organelles, like mitochondria. Life, she believed, is a symbiotic and cooperative union that allows those who associate to succeed, a theory that later has been widely accepted and substantiated.

Ortiz’s research introduces queer epistemologies through a series of gatherings, an urban walking tour and a collective reading. The first will be a two-hour guided tour around Poblenou to identify and discuss plant taxonomy and its colonial provenance. A similar tour will take place the following day in Montjuïc’s Botanical Garden, where Agustín will lead a discussion within the framework of a man-made “natural” environment.

A third activity, developed in collaboration with Hangar – Visual Arts Production and Research Centre in Barcelona as part of its Fictions of Dis-order programme, will consist of a collective reading of Derek Jarman’s Modern Nature. Published in 1991, this biography is a diary of the British film-maker, artist and activist on his late years at Prospect Cottage, on the arid Kent coast in south-east England. Jarman purchased this fisherman’s house in Dungeness in 1986 shortly after being diagnosed as HIV positive, with the aim of withdrawing in the years before his death (in 1994). The now-iconic black timber cottage with yolk yellow window frames is overlooked by the imposing Dungeness nuclear power station and surrounded by a vast shingle beach and a noteworthy garden, the boundaries of which he described as the horizon.

— Latitudes


1 Linnaeus was the first to use it consistently throughout his book, although the system now known as binomial nomenclature was partially developed by the brothers Gaspard and Johann Bauhin 200 years earlier.

2 Linnaeus published 12 editions of Systema Naturae during his lifetime. The 10th edition from 1758 is considered the starting point of zoological nomenclature.

3 Sir James Edward Smith purchased Linnaeus’s botanical, zoological and library collections for 1,000 guineas to found The Linnean Society of London in 1788. It was at a meeting of the Society in 1858 that papers from Charles Darwin and Alfred Russel Wallace outlining the theory of evolution by natural selection were first presented. https://www.linnean.org

4 The Salvador family were a dynasty of apothecaries and naturalists from Barcelona that between the 17th and 19th centuries collected over 14,000 specimens. The Gabinet Salvador is the most important example of a Cabinet of Curiosities or wunderkammer in the country, a presentation format which predates the invention of the modern museum and the separation between the sciences and the humanities. https://museuciencies.cat/es/area-cientifica/colecciones/coleccion-salvador/

5 With its origins in the 17th century, the Gabinet Salvador includes the oldest known herbarium in Spain, as well as books, documents, collections of molluscs, fossils, and stuffed animals. The Zoology Museum of Barcelona was located in the Modernista building known as the ‘Castle of the Three Dragons’ between 1920 and 2010 when it was relocated and changed its name to Museu de Ciències Naturals de Barcelona (Museum of Natural Sciences of Barcelona, aka the ‘Museu Blau’).

6 Teresa Castro, The Mediated Plant, e-flux Journal #102, September 2019, https://www.e-flux.com/journal/102/283819/the-mediated-plant/

7 Emanuele Coccia, The Life of Plants: A Metaphysics of Mixture, Polity Press, 2018.


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15 septiembre 2020, 19.30h: Charla entre Rosa Maria Subirana Torrent y Lola Lasurt


Foto: Ralph Herrmanns. MNAC, 1972. Archivo personal de Rosa Maria Subirana Torrent.

Actividad: ‘Del Año Miró (1968) al inventario de la donación’. Charla entre Rosa Maria Subirana Torrent y Lola Lasurt
ModeraÁngel Calvo Ulloa
Fecha: 15 de septiembre de 2020, de 19 a 21 h. Incluye una visita guiada a la exposición de 19 a 19.30h
Reserva: Aforo limitado. Imprescindible inscripción previa en [email protected]
Lugar: La Capella (c. Hospital 56, Barcelona)
Streaming en directo a partir de las 19.30h en el canal YouTube de Barcelona Cultura (duración: 1h 16min).

En el marco de la exposición Juego de niños, Lola Lasurt conversa con Rosa Maria Subirana Torrent, conservadora de los Museos de la Ciudad de Barcelona durante los últimos años de dictadura y testigo de primera mano del inicio de la gestión institucional del arte contemporáneo en Cataluña.

Bajo las órdenes del consistorio barcelonés, Subirana inventarió meticulosamente los fondos de las primeras colecciones de arte contemporáneo cedidas a la ciudad y coordinó el Año Miró, en el que se inscribió la organización de la exposición retrospectiva en el recinto del antiguo Hospital de la Santa Creu en 1968, así como otras actividades, entre ellas la colocación de una placa en el pasaje del Crèdit (donde nació Miró en 1893) y el Premio Miró para niños.

Miró donó a la ciudad parte de las obras presentadas en la exposición, que fueron trasladadas al Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) para ser inventariadas y constituir el futuro fondo del CEAC (Centro de Estudios de Arte Contemporáneo), el edificio ideado por Josep Lluís Sert que se inauguró en 1975 en Montjuïc.

Esta actividad es parte del programa de mediación εξέδρα (exedra) dirigido por Jordi Ferreiro para la temporada Barcelona Producció 2019–20 de La CapellaJuego de niños de Lola Lasurt ha sido tutorizado por Latitudes.

(📷 ↑↓) Vistas de la exposición ‘Juego de niños’ de Lola Lasurt en La Capella. Fotos: Pep Herrero.




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Cover Story—September 2020: States of emergency—Lola Lasurt’s ‘Children’s Game’

Latitudes' homepage www.lttds.org

The September 2020 monthly Cover Story ‘States of emergency—Lola Lasurt’s ‘Children’s Game’’ is now up on our homepage: www.lttds.org

“Lola Lasurt’s exhibition ‘Joc d'infants’ (Children’s Game) looks back more than fifty years to the first contemporary art event hosted in the same venue where it is now taking place—until 27 September.”

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→ After September 2020 this story will be archived here.

Cover Stories' are published on a monthly basis on Latitudes' homepage featuring past, present or forthcoming projects, research, texts, artworks, exhibitions, films, objects or field trips related to our curatorial projects and activities.

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Exposición ‘Juego de niños’ de Lola Lasurt, Barcelona Producció 2019-2020, 21 julio–27 septiembre 2020

(↑↓) Vistas de la exposición ‘Joc d'infants’ (Juego de niños) de Lola Lasurt en La Capella, Barcelona, 21 julio–27 septiembre 2020. Fotos: Pep Herrero / La Capella.

El proyecto Juego de niños de Lola Lasurt parte de la retrospectiva Miró. Barcelona 1968-69, la primera muestra de arte contemporáneo presentada entre entre noviembre de 1968 y enero de 1969, en el espacio actualmente conocido como La Capella

A través de pinturas, fotografía, vídeos y cerámicas, el proyecto de Lasurt aborda la agitación sociopolítica de finales de los sesenta a través de la figura del artista catalán Joan Miró (1893-1983), quien durante el último periodo de la dictadura de Franco se convirtió en un “objeto transicional”, una suerte de puente artístico entre el régimen anterior y la nueva democracia. [1]

En su nueva serie de pinturas Lasurt alude a dos formas de transición: un periodo de excepción tanto desde el punto de vista político como del desarrollo personal. Lasurt se apropia de imágenes relacionadas con la infancia publicadas en la prensa nacional durante el estado de excepción de dos meses que se inició a finales de enero de 1969, un período de ausencias y silencios forzados.

→ PDF hoja de sala en castellano, catalàenglish.
→ PDF publicación (en cat/cast/eng).
→ Video (1'50'')
→ Video entrevista (14'44'')

[1] El término objeto transicional fue acuñado en 1951 por el pediatra y psicoanalista inglés D. W. Winnicott para describir objetos reconfortantes –como ositos de peluche, mantas o muñecas– que sustituyen el vínculo madre-hijo en el desarrollo del niño.

















A partir de la exposición de Lasurt, el programa de mediación εξέδρα (Exedra) dirigido por Jordi Ferreiro ha generado una serie de deslocalizaciones a tres espacios públicos y privados del barrio del Raval con el fin que no se vean perjudicados por posibles protocolos de actuación ante COVID-19.

(↑↓) Vistas de las deslocalizaciones relacionadas con la exposición ‘Juego de niños’ de Lola Lasurt alrededor del barrio del Raval. Hasta el 27 de septiembre 2020. Fotos: Eva Carasol.

Pósters en los escaparates de la Escola Massana con material de archivo del estado de excepción que se decretó en el Estado Español entre enero y marzo de1969.


Consulta de publicaciones relacionadas con Joan Miró y el estado de excepción que se decretó en el Estado Español a inicios de 1969 disponibles en la Biblioteca Popular Sant Pau i Santa Creu.

(↑↓) Pintura animada proyectada en el escaparate del Estanc Carme 15 en Carrer del Carme, 15. ‘Copito de Nieve, ¿personaje de Marcel Proust?’ Tele/eXpres, 22 de enero de 1969. Una de las obras iniciales de Lola Lasurt fue ‘Expendeduría 193’ (2008), un videodocumental que, a través de sus protagonistas, narraba la vida diaria de un estanco vinculado a la familia de la artista. Así pues, ‘Juego de niños’ incorpora un pequeño tributo a esta obra mediante la deslocalización de una de sus pinturas animadas al estanco Carme 15 de la calle del Carme.

 
(24 septiembre) La tercera y última deslocalización coincide con la finalización de la exposición el 27 de septiembre 2020. Desde La Capella se hizo una llamada a los vecinos del distrito de Ciutat Vella ofreciendo la posibilidad de exponer en su balcón una obra de Lola Lasurt representando un objeto transicional de la infancia y presentarlo en formato banderola. 

Meritxell Mestre envió su historia relacionada con unos dibujos animados que solía mirar de pequeña en casa de sus abuelos y que gravaba en VHS, cuyo protagonista era una pequeña locomotora.  

(↑↓) Última de las deslocalizaciones de la exposición ‘Juego de niños’ de Lola Lasurt presenta una banderola en el balcón con la imagen de un objeto transicional de la infancia de su habitante. Fotos: Eva Carasol.

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Proyecto deslocalizado ‘La Ballena de El Prat a El Prat / Retorno: Vibraera’ de Consol Llupià


Consol Llupià
22 de mayo de 2020 a las 16 h

El próximo 22 de mayo a las 16 horas, coincidiendo con la luna nueva de primavera y el 37 aniversario del hallazgo de una ballena de diecinueve metros en la playa de El Prat de Llobregat, la artista Consol Llupià te invita a ‘Vibraera’ [1], una acción energética de sincronización colectiva de vibraciones en sintonía con la red de conciencia cetácea a partir de los principios de amor, alegría, unidad y cooperación.

En la web www.vibraera.net encontrarás algunas indicaciones de como iniciar tu participación, aunque cada cual es libre de formularla de una forma personal e íntima. Tu aportación será publicada en el web y progresivamente complementada con la contribución de colaboradores de la artista procedentes de instituciones y entidades multisectoriales del ámbito energético, medioambiental, científico, jurídico, social, deportivo, humanístico y artístico, así como una red afectiva de individuos vinculados a los cetáceos que han ido sumando su entusiasmo y compromiso a lo largo del proyecto, que empezó en mayo de 2018, cuando Llupià preguntó a la ballena si quería regresar al mar.

Comparte tu experiencia a través de las redes sociales usando las etiquetas #labalenadelpratalprat y #Vibraera

Consol Llupià (Barcelona, 1983) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona (2001-2006) y obtuvo una beca Erasmus para estudiar en la Academia Nacional de Artes de Sofía (Bulgaria) en 2006. Entre 2015 y 2017, Llupià realizó el proyecto ‘Performance oficial’ al amparo del Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam de La Habana (Cuba). En 2016, desarrolló la mediación artística para el ciclo ‘Xarxa Zande’ en el Centre d’Art Santa Mònica de Barcelona, y entre 2007 y 2017 organizó ‘Campo de desconcentración polivalente’, un proyecto artístico multidisciplinar colectivo y autogestionado en Alcóntar (Almería).

[1] ‘Vibraera’ es una expresión coloquial usada en la sierra de los Filabres (Almería) para describir una situación o acción que crea una gran cantidad de energía o que invita o alienta a la participación. A la artista le gusta el hecho de que, al separar los componentes del vocablo –‘vibra’ y ‘era’– y alterar su orden, surge otro posible significado: ‘era de vibraciones’.


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Cover Story—March-April 2020: The Bolós Cabinet

Latitudes' homepage www.lttds.org

The March-April 2020 monthly Cover Story ‘The Bolós Cabinet’ is now live on our homepage: www.lttds.org 

‘‘To name, to own. Critique of taxonomic practice’: Agustín Ortiz Herrera’s current project focuses on the modern system of naming and classifying organisms which was first superimposed onto the natural world in 1735 with the advent of Carl Linnaeus’s "Systema Naturae". Tutored by Latitudes as part of Barcelona Producció 2019–2020, Agustín’s research has to date involved visits to study centres in Uppsala and London, alongside investigations around the notion of ‘queering nature’.”

→ After April 2020, this story will be archived here.

Cover Stories are published on a monthly basis on Latitudes' homepage featuring past, present or forthcoming projects, research, texts, artworks, exhibitions, films, objects or field trips related to our curatorial activities.


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Jurado y tutoría de Barcelona Producció 2019–2020: Proyectos ganadores

Nueva imagen gráfica realizada en ocasión del 25º aniversario de La Capella. Foto: Folch Studio.

Después de tres intensas semanas de proceso —una dedicada a la lectura de las 259 solicitudes recibidas, otra al debate con los cinco miembros del jurado (formado por Alexandra Laudo, Antònia Folguera, Joan Casellas, Mireia Sallarès y Latitudes, junto a Oriol Gual (director de La Capella) y David Armengol (coordinador de la comisión), ambos últimos con voz pero sin voto), y una tercera semana entrevistando a 32 finalistas— el jurado y equipo de tutores de Barcelona Producció ha decidido premiar a los siguientes 15 proyectos para su producción y presentación a lo largo de la temporada 2019-2020 (fechas por confirmar):

PROYECTOS EXPOSITIVOS

Sala Grande – Exposición individual
  • "Kyklos" de Martín Llavaneras (29 octubre 2019—16 febrero 2020)
  • "Faula rodona / Sols i embogits / Entre la precisió total i una cançó de Sau" de Pere Llobera (10 marzo 2020—31 mayo 2020)
  • "Joc d'infants" de Lola Lasurt (16 junio 2020—4 octubre 2020)
    Sala Gran – Proyecto de comisariado
    • "Esdevenir inmortal i després morir" de Caterina Almirall (20 octubre 2020—31 enero 2021)

    PROYECTOS NO EXPOSITIVOS
      Proyectos deslocalizados
      • "La balena del Prat al Prat / Retorn" de Consol Llupià,
      • "Serps d'aigua. Les rieres ocultes i la construcció simbòlica de Barcelona" de Sitesize (Joan Vila Puig y Elvira Pujol),
      Investigación
      • "Nomenar, posseir. Crítica de la pràctica taxonòmica" de Agustín Ortiz Herrera;
      • "Correspondències simbòliques entre folklore catòlic i música màkina al Casc Antic de Barcelona" de Marc O'Callaghan;
      Publicación
      Acción en vivo (22, 23, 24 septiembre 2019)
      Proyectos de creación transdisciplinar y medios digitales 
      Proyecto educativo y de mediación
      • "εξέδρα (Exedra). L'Art com a eina d'equiparació social" de Jordi Ferreiro.
      Latitudes tutorizará los proyectos de Lola LasurtConsol Llupià y Agustín Ortiz Herrera. Más información y calendario 2019–2021 se irá publicando y actualizando en nuestra web.

      Exposición "El Misterio de Caviria" de Antoni Hervàs, parte de la programación de Barcelona Producció 2016 en La Capella. Su proyecto fue galardonado con el Premi Ciutat de Barcelona 2016 y el Premio ACCA al Proyecto Artístico 2016. Proyecto tutorizado por Latitudes. Fotos: Pep Herrero, Barcelona Producció/La Capella.

      Si en la anterior convocatoria se habían doblado el número de categorías pasando de nueve a dieciocho y se sumaron tres nuevos tutores, en esta ocasión la sala pequeña ha sido eliminada aunque se ha introducido un proyecto de educación y mediación
      destinado a la realización de acciones educativas dirigidas al público general sobre la base de las actividades programadasLos proyectos para "Entornos digitales" han pasado a denominarse "Proyectos de creación transdisciplinar y medios digitales" y serán tutorizados por Antònia Folguera.

      Los proyectos deslocalizados, los de publicación, los proyectos de creación transdisciplinar y medios digitales, y los de investigación, se producirán y presentarán a lo largo de la temporada según el calendario de cada una de las propuestas. Los de acción en vivo tendrán lugar tres días consecutivos en Septiembre (fechas por confirmar) y Joan Casellas se encargará de tutorizarlos.

      Publicación ‘The Drowned Giant’ realizada por Anna Moreno producido con el apoyo de Barcelona Producció 2017, La Capella, Institut de Cultura de Barcelona. Proyecto tutorizado por Latitudes. Foto: Anna Moreno.

      Vista de la exposición ‘La disidencia nostálgica’ comisariada por Joana Hurtado Matheu, parte de la programación Barcelona Producció 2017, La Capella. Proyecto tutorizado por Latitudes. Foto: Pep Herrero, Barcelona Producció/La Capella.

      Barcelona Producció es una convocatoria anual dirigida a la comunidad artística de Barcelona y su área de influencia. Es una iniciativa del Institut de Cultura de Barcelona (ICUB) del Ajuntament de Barcelona.

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      Cover Story—January 2018: I'll be there for you

      Latitudes' home page www.lttds.org

      The January 2018 Monthly Cover Story "I'll be there for you" is now up on www.lttds.org – after this month it will be archived here.
       

      "Camille Orny and Magda Vaz’s exhibition for the Sala Petita of Barcelona’s La Capella will open on 23 January—it is the last of three projects that Latitudes is mentoring during the current season of the Barcelona Producció grants." Continue reading  

      Cover Stories' are published on a monthly basis on Latitudes' homepage and feature past, present or forthcoming projects, research, writing, artworks, exhibitions, films, objects or field trips related to our curatorial activities. 


      (Above and below) View from "Artengo2000", exhibition by Camille Orny and Magda Vaz at the Sala Petita in La Capella. Photo: Pep Herrero / La Capella.

      Below the text written by Latitudes, mentors of the project:

      "Bringing the format of the miniseries into the Sala Petita, Camille Orny & Magda Vaz have created a drama-documentary for six screens premised on the story of a group of five flatmates—including semi-fictionalized versions of themselves—who have struck a sponsorship deal with a corporation known as Artengo. In one reality Artengo is a sub-brand of the sporting goods retailer Decathlon dedicated to racket sports, yet in another reality, it is an arcane Russian-American multinational corporation. The series begins with a dream in which a flatmate is haunted by the Artengo-branded socks that the flatmates have agreed to wear at all times as part of the sponsorship deal that in return sees them receive occasional deliveries of unbranded food and a discount on their gas bill. Artengo2000 is a cumulative narrative: each installment is comprehensive and distinct, while each is grafted onto the body of the series, with certain elements and plot lines that link across.

      Artengo2000 hinges on possible spiritual advancements and psychic disorders caused by shared living and by being obedient brand ambassadors. We witness the transformation of a communal flat into a laboratory-like space governed by the unwritten transactions entailed in lifestyle sponsorship and company patronage. Although the drama takes us to Montjuïc, the W Barcelona hotel, and to the Arenas shopping centre, and other branded flats, the Artengo apartment itself is the core psychological location. Yet in contrast to the breezy comedic and romantic adventures of the flat-sharing television series Friends (1994–2004), the Artengo apartment fills with irrational drama, distrust, deranged dreams, and doppelgängers. The flatmates become more like guinea pigs in a pioneering space station, afloat in a void at the limits of corporate ethics, loyalties and interpersonal relations. Characters include Camille and Magda’s flatmates Manu and Laura, a washed-up professional tennis player, and a supposed Danish-Catalan man named Borja with an academic interest in the introduction to Barcelona of novel and more covert forms of whole-life sponsorship.


      Artengo2000 takes place in a familiar but twisted world in which gig economies, collaborative work and service sharing appear to have developed in even more perverse ways. A brand called Little Bits makes an appearance—a sort of mutant Deliveroo based on micro-tapas. As Orny and Vaz have suggested, their shared flat drama imagines the bizarre incompatibility of a kommunalka (kommunalki were multi-family communal apartments encouraged by Lenin as a response to the housing crisis after the Russian revolution of 1917) set in a near-future where neoliberal and Silicon-Valley logic wields even greater power. Here the so-called ‘sharing economy’ of coworking, or online platforms such as BlaBlaCar and Airbnb, is evidently not representative of an altruistic fantasy of entrepreneurship or dynamic community cohesion, but is a symptom of evermore precarious socioeconomic circumstances. Giving up some personal space is part of the experience of sharing a flat, yet it allows a lower cost of living. However, the sponsorship deal that the flatmates are signed up to exacerbates their sacrifices to extremes. The work-life balance has not been blurred, but completely collapsed, as the flatmates renounce their intimacy and subjectivity in commodifying themselves for the Artengo brand.

      Where the vast majority of television narrators strive for neutrality and self-effacement, as if viewers are supposed to ignore the fact that the story is coming through a mediator, Orny and Vaz’s storytelling, and the Artengo2000 world of homemade myth-making, is far from straightforward. It incorporates numerous doubtful narratives, both onscreen and offscreen. Film genres such as the Western, or the film noir, routinely passed through a kind of four-stage metamorphosis, media scholars have suggested.1 In the first stage, conventions were established and isolated. In the second ‘classic’ stage these conventions reached equilibrium and were mutually understood by makers and audiences; the third stage saw formal and stylistic embellishments. Finally in a ‘baroque’ stage, the embellishments were accented to the point where they themselves became the substance of the work. Yet whether television series have followed the same logic is moot, particularly in an age where gathering in the living room to watch the latest hit show at the scheduled time has long been a thing of the past, usurped by viewers binge-streaming multiple episodes. Moreover, is it not the case that Artengo2000, much like David Lynch’s surreal crime drama Twin Peaks (1990–91), was already born congenitally baroque?

      While Artengo2000 is steeped in cinematic theory and the study of genre, more plausible still is that it comes at us not only through a filter of American television, and series that have experimented with the medium of the episodic drama in often darkly-comic and self-referential ways, such as Seinfeld (1989–1998), Curb Your Enthusiasm (2000–present), and Louie (2010–15). Artengo2000 has also filtered through many diverse influences related to what critic Jordi Costa has identified as ‘post-humor’ in Spain, including YouTube channels and self-made web series from the likes of Canódromo Abandonado, Pioneros Siglo XXI, and Venga Monjas.2 Yet why does a series ‘happen’ when it does? Was the fanatical following that built around the supernatural detective series The X-Files (1993–2002), for example, in some way a Bill-Clinton-era phenomenon, a result of psychohistorical factors at work in 1990s America? And why do we now see a return of Twin Peaks (2017–) just at the same time as we see Artengo2000 emerge in Barcelona? Appropriately, asking more questions that providing answers, we offer no more closure than a typical episode of either." 

      Latitudes 

      Mentors of the project. Text written for the exhibition and available in English, Catalan and Spanish.


      1 See Thomas Schatz, ‘Hollywood Genres: Formulas, Filmmaking, and The Studio System’, McGraw-Hill, 1981.

      2 See Miguel Iríbar, ‘El posthumor, la tortilla deconstruida de la risa’, http://www.jotdown.es/2014/12/el-posthumor-la-tortilla-deconstruida-de-la-risa/



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      22 de noviembre, 19h: Presentación de la publicació “The Drowned Giant” a cargo de Anna Moreno y Lluís A. Casanovas Blanco

      Póster del evento. Cortesía: Anna Moreno.

      22 de noviembre, 19h
      Presentación de la publicación “The Drowned Giant” de Anna Moreno
      A cargo de la artista Anna Moreno y el arquitecto e investigador Lluís A. Casanovas

      Col·legi d’Arquitectes de Catalunya (COAC)
      Sala de actos, 1r piso
      Plaça Nova 5, 08002 Barcelona
       
      En 1970 se organizó un happening en Moratalaz (Madrid) para promocionar el proyecto de vivienda utópica La Ciudad en el Espacio, del arquitecto Ricardo Bofill. Un evento que nunca se llegó a documentar, un proyecto que nunca se llegó a construir. El pasado 7 de junio, la artista
      Anna Moreno repitió aquel happening en el mismo lugar.

      El 22 de noviembre, en la Sala de Actos del
      Col·legi d’Arquitectes de Catalunya (COAC), se presentará un LP con el registro sonoro del proceso de restitución, la única documentación existente del evento. 

       (Arriba y abajo) The Drowned Giant. Fotos: Anna Moreno.
       
      El disco contiene los testimonios de Gila Dohle, The Downton Alligators, Enrique Doza, Peter Hodgkinson, Anna Moreno, JC Ramone, Toti Soler y Ramón Del Solo, entre otros. La edición incluye un libreto con relatos de ficción escritos por los arquitectos Paula Currás & Havi Navarro, la comisaria María Montero, el experto en blues Ramón del Solo y la artista Anna Moreno.

      Lluís A. Casanovas Blanco es arquitecto y comisario afincado entre Nueva York y Barcelona. Actualmente es investigador en Princeton University (NY, EEUU). Junto con la agencia After Belonging fue uno de los comisarios en jefe de la Trienal de Arquitectura de Oslo (2016).


      Anna Moreno (Barcelona, 1984) vive y trabaja entre Barcelona y La Haya (Países Bajos). Su práctica artística se desarrolla a través de acontecimientos expandidos y exposiciones individuales, como ‘D’ahir d’abans d’ahir de l’altre abans d’ahir i més d’abans encara’ (Blueproject Foundation, Barcelona, 2016), ‘The Whole World Was Singing¸ (HIAP Project Space, Helsinki, 2016) o ‘An Awkward Game’ (1646, La Haya, 2015). Entre las exposiciones colectivas en las que ha participado cabe destacar: ‘En los cantos nos diluimos’ (Sala de Arte Joven, Madrid, 2017), ‘Distopía General’ (Reales Atarazanas, Valencia, 2017), ‘CAPITALOCEAN’ (W139, ÁmBerdam, 2016), ‘Lo que ha de venir ya ha llegado’ (CAAC, Sevilla; MUSAC, León, y Koldo Mitxelena, Sebastián, todas en 2015) y ‘Generaciones’ (La Casa Encendida, Madrid, 2014). Su obra se ha incluido en el marco de simposios como ‘Visual Activism’¸ (SFMOMA, San Francisco, 2014) o ‘United We Organize’ (Stroom Den Haag, La Haya, 2013). Ha participado en residencias como ‘Artistas en residencia’ (CA2M y La Casa Encendida, MóBoles y Madrid, 2017), Seoul Art Space Geumcheon (Seúl, 2012) o Atelierhaus Salzamt (Linz, 2011), entre otros. Es profesora de investigación artística en la Royal Academy of Art de La Haya, donde es miembro fundador de Helicopter, una iniciativa dirigida por artistas enfocada a la experimentación y al intercambio de conocimientos. 

      Fotos: Laura San Segundo. Cortesía: Anna Moreno.

      Publicación producida con el apoyo de Barcelona Producció 2017, La Capella / Institut de Cultura de Barcelona. 

      Proyecto tutorizado por Latitudes.

      CONTENIDO RELACIONADO:

      • Cover Story—August 2017: Walden 7; or, life in Sant Just Desvern (web archive);
      • Tutores: Barcelona Producció, La Capella, Barcelona, julio 2017–junio 2018 (web);
      • Web de La Capella;
      • Jurado y tutores de Barcelona Producció – Anuncio de los proyectos ganadores temporada 2017–2018 (25 Mayo 2017).
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      Exposición y actividades programadas durante la exposición "La disidencia nostálgica" comisariada por Joana Hurtado Matheu en La Capella

      (Arriba y abajo) Vista de la instalación con obra de Richard McGuire. 
      Todas las fotografías: Pep Herrero/La Capella–BCN Producció 2016.


      "La disidencia nostálgica"
      3 marzo–30 abril 2017
      Comisariada por Joana Hurtado Matheu

      Con la participación de Francesco Arena, The Atlas Group / Walid Raad, Lúa Coderch, Roger Guaus, Marine Hugonnier, Odó Hurtado, Ange Leccia, Richard McGuire, Deimantas Narkevičius, Aimar Pérez Galí, Suzanne Perrottet, Julien Prévieux, Anri Sala, Adrian Schindler y Danh Vō.

      En una sociedad obsesionada por la memoria –por el archivo, el monumento y el testimonio–, la nostalgia se ha convertido en un fenómeno público, un síntoma, incluso, de la cultura contemporánea.

      No obstante, existen muchos tipos de nostalgia. La más omnipresente en la actualidad es una nostalgia regresiva y comercial, adoptada por las políticas conservadoras para establecer símbolos en honor a un pasado que se pretende heroico e inmutable, o convertida por la industria cultural en un objeto de consumo sin consciencia histórica. Pero existe otra nostalgia, una que va en sentido opuesto, que es disruptiva porque no conmemora ni banaliza el pasado, una nostalgia que aprovecha la perspectiva para reflexionar sobre la historia y, a través de este desfase físico y temporal, reconoce la interdependencia entre lo individual y lo colectivo, y puede recuperar así el vínculo entre la memoria y la utopía.

      Hoy, contra la nostalgia absolutista o mercantilizada, contra el revival nacional y el souvenir neutral, se abre paso una nostalgia disidente, que explora las ambivalencias de experimentar distintos tiempos y espacios al mismo tiempo. Esta nostalgia que encontramos en la literatura y el cine modernos, de William Faulkner a Samuel Beckett, de Jean-Luc Godard a Chris Marker, también es motivo de creación en el arte contemporáneo. 


        Vista de la exposición "La disidencia nostálgica".

      "La disidencia nostálgica" propone un recorrido por la obra de artistas que trabajan con el pasado como un espacio de resistencia y posibilidad creativa. Por un lado, reivindican una distancia crítica para visibilizar el peso del poder político en la interpretación de la historia, y por el otro, reconocen el poder afectivo como un saber personal y colectivo, que puede ser vivido, transmitido o soñado. 

      Esta aproximación a la disidencia nostálgica se sitúa en un contexto más amplio, complejo y conflictivo: el de la lectura de la historia y la representación de la memoria. Es un tema de actualidad fuera de la exposición, ya que últimamente, en un intento por detectar faltas y reconstruir anhelos, hemos visto cómo el pasado vuelve –ya sea el 1714 o la Constitución española– a la hora de pensar futuros alternativos. ¿Pero en nombre de quién, cómo y para qué miramos atrás? 

      – Joana Hurtado Matheu


      Proyecto ganador de la convocatoria BCN Producció'16 en la categoría de comisariado. Tutorizado por Latitudes.

      Joana Hurtado Matheu es escritora, comisaria e investigadora independiente, especializada en las relaciones entre prácticas artísticas, fotografía y cine. Coordina el programa de artes visuales de Can Felipa del Ayuntamiento de Barcelona y ha comisariado proyectos expositivos y cinematográficos como Heretgies (LOOP, 2016-2017), Catedrals a la capella (capella de Sant Roc, Valls, 2011-2013), Pop Up. Veure és afegir (CaixaForum, 2011), Efecte cinema (Can Felipa, 2009) o Cinergies (CCCB, 2008-2009). Profesora invitada en varias universidades y actual vicepresidenta de la Associació Catalana de Crítics d’Art, ha colaborado en el suplemento “Cultura/s” de La Vanguardia durante más de diez años, así como en varias revistas de arte y cine, catálogos y libros colectivos.

      Con el apoyo de: Goethe Institut, Galeria Nogueras Blanchard, Filmoteca de Cataluña, CA2M y Fundación ARCO, Zumzeig, Boyberry, Hangar, Cafè Schilling.


      Con la colaboración de: Centro de Arte Dos de Mayo, Galerie Chantal Crousel, Galeria Fortes D’Aloia & Gabriel, Galeria NoguerasBlanchard, Galerie Martel.


      Agradecimientos: Elisabet Albareda, Latitudes, Juan Diego Valera, Èlia Llach, Eva Sòria, Alex Nogueras, Oriol Fontdevila, Aleix Plademunt, Eulàlia Rovira, Gemma Alberich, Manuel Segade. Y a mi familia –la que conozco, la que imagino y la que sueño–.



       ACTIVIDADES PROGRAMADAS:

      Francesco Arena, Mare della tranquillità, 2013. Metal, madera, 500 x 178 x 75 cm y acción. Foto: Martin Argyroglo / Cortesia Galleria Raffaella Cortese, Milano, y NoguerasBlanchard, Barcelona/Madrid.

      Superficie con linea, de Francesco Arena.
      Cada día en horario de apertura de la sala.
      Inscripciones individuales o por grupos de dos o tres personas en el punto de información de la sala y en: [email protected]
        
      Una vieja mesa de madera sacada del comedor familiar, ha sido cortada en cuatro partes para hacer las esquinas de una nueva mesa mucho más grande. Ampliada con piezas de metal, sus medidas evocan la mesa donde, el 7 de mayo de 1945, se firmó la rendición alemana que pondría fin a la Segunda Guerra Mundial. La obra se acompaña de una acción –en esta ocasión, abierta a la participación– que consiste en caminar sobre la mesa un total de 155 km, la longitud del muro de Berlín. Con unos zapatos que no han pisado nunca el suelo y un contador en la mano, cada día, durante los dos meses que dura la exposición, alguien recorrerá la mesa de punta a punta 596 veces. Las decisiones que se toman alrededor de una mesa afectan el futuro a pequeña y gran escalera.

      Aimar Pérez Galí, The Touching Community / Greenberg_1992, 2017. Acción. Cortesia del artista. 


      Aimar Pérez Galí, The Touching Community / Correspondencia, 2017. Impresiones y tinta sobre papel y linóleo. Cortesia del artista. 

       The Touching Community / Greenberg_1992, de Aimar Pérez Galí 
      Texto: Jon Greenberg. 
      Acción: Óscar Dasí y Aimar Pérez Galí. 
      Sonido: Tirso Orive
      Sábado 25 de marzo, 12h en Boyberry (c/ Calàbria, 96)
      Duración: 60 minutos 
      Mayores de 18 años.
      Plazas limitadas. Inscripción gratuita hasta competar aforo.
      Reservas: [email protected] 
      En colaboración con Boyberry. 

      Aimar Pérez Galí investiga sobre el impacto que tuvo la epidemia del sida en el contexto de la danza española y latinoamericana. The Touching Community es un trabajo íntimo y afectivo que a través de un diálogo con los fantasmas da visibilidad a una época y una comunidad. La acción que acompaña la instalación en sala, se apropia del Contact Improvisation, práctica de danza en la cual el movimiento se improvisa a partir del contacto físico entre dos cuerpos y que contrasta con las políticas de inmunidad que aparecieron con el VIH. Un trabajo sobre la memoria, silenciada o transmitida, y sobre el tacto y el contacto como herramienta de supervivencia. 



      Instalación de Lúa Coderch, "Nit en blanc abans", 2017. Vídeo digital, 4:3, monocanal, color, sonido, 11' 17". Cortesia de la artista y Galeria Àngels, Barcelona. 


      Un viatge d’anada i tornada [Un viaje de ida y vuelta], de Lúa Coderch
      Sábado 1 de abril, 10h en Moll de les Drassanes

      Duración: 1h
      Plazas limitadas. Inscripciones en: [email protected]
      *Esta actividad puede resultar afectada por causas meteorológicas. 


      La artista barcelonesa ha reciclado los muebles de casa para hacer una tarima, plegable y portátil, como una maleta, que acoge el vídeo de un relato escrito durante una noche en blanco. Los recuerdos son la base de nuestros sueños, cuando dormimos o cuando esperamos despiertos uno mañana que no llega. Sobre las distracciones y las distancias ganadas durante este “tiempo perdido” trata también la actividad que nos propone: un viaje de ida y retorno. Nieta de abuelos nacionales durante la Guerra Civil Española, su obra más nostálgicamente contestataria, donde aprende a cantar las canciones del bando republicano, sonará cada noche a la calle Hospital.

       Adrian Schindler, "3400 g - 1,100 °C", 2017. Instalación y vídeo. Cortesía del artista.

      Der Rüstungsfluss / El riu armadura, de Adrian Schindler
      Sábado 29 de abril, 18h en La Capella (c/ Hospital 56)
      Plazas limitadas. Inscripciones en:
      [email protected]
      En colaboración con el Goethe Institut.

      A través de la proyección de documentos históricos y fotografías personales, Adrian Schindler narra la historia y el papel estratégico de un puente sobre el Rin, construido cerca del pueblo de donde proviene su familia materna. Un puente que une la historia europea y la familiar en base de sombras y fragmentos, que nos traen desde las fronteras del imperio romano hasta los años de ocupación de los aliados, pasando por las guerras religiosas francesas y el Tercer Reich.

      Vista de la exposición – performance de Francesco Arena. Foto: Pep Herrero/La Capella–BCN Producció 2016.

      Ciclo de cine:

      En la Filmoteca de Catalunya
      Jean-Marie Straub y Danièle Huillet, "En rachâchant". 7 min, 1982.
      Eric Baudelaire, "The Anabasis of May and Fusako Shigenobu, Masao Adachi and 27 Years Without Images". 66 min, 2011.
      4 de abril, 21h.

      Deimantas Narkevičius, "The Role of a Lifetime". 16 min, 2003.
      Patricio Guzmán, "Nostalgia de la luz". 90 min, 2010.
      5 de abril, 21h.

      Sandra Ruesga, "Haciendo Memoria. Entre el dictador y yo". 10 min, 2005.
      Michel Haneke, Caché. 118 min, 2006.
      6 de abril, 21h.

      En el Zumzeig Cinema
      30 de marzo y 13, 20 y 27 de abril.

      Consultar cartelera.

      Vista de la exposición – fotografía de Marine Hugonnier "Towards Tomorrow (International Date Line, Alaska)", 2001 

      Vista de la exposición – obra de Roger Guaus. Foto: Pep Herrero/La Capella–BCN Producció 2016.

      Visitas comentadas:

      Visitas comentadas a cargo de la comisaria
      Joana Hurtado Matheu
      14 de marzo y 25 de abril, a las 18 h.

      Visitas por la disidencia nostálgica de la exposición y de La Capella a cargo de Núria Miret y Judith López.
      Cada sábado, a las 18 h.


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